[ourplace] Detroit’s 100 Greatest Songs

• From: "Vickie" <rolisonv@xxxxxxxxx>
• To: "Our Place List" <ourplace@xxxxxxxxxxxxx>
• Date: Thu, 18 Aug 2016 16:05:24 -0700

BlankOK here’s the full list. Yay. I didn’t have to totally reformat this list, 
like I did the other two.  I did take out the listen links, which don’t work 
and the photo references.  There is great background information about each 
song.  I hope you enjoy it as much as I did.  
Vickie

Detroit’s 100 Greatest Songs

Here's the complete running list of songs we've unveiled, including your Top 10 
picks
Brian McCollum, Detroit Free Press Pop Music Critic 

Since May, we’ve been counting down Detroit’s 100 Greatest Songs, tallied from 
voting by thousands of music fans and hometown music experts. Now with the
unveiling of the Top 10 songs, the list is at last complete.

It’s a diverse group of songs that spans styles, genres and eras — and it’s a 
resounding testament to the quality of the material that has emerged from
one of the world’s greatest music cities.

100. "You're All I Need to Get By," Marvin Gaye and Tammi Terrell (1968)
Marvin Gaye and Tammi Terrell were Motown's leading duet partners. 
Gaye and Terrell's vocal honey combined for a host of Motown duets, and this 
Ashford & Simpson number was their biggest on the charts, camping for five
weeks atop the R&B hit parade. 


99. "Bawitdaba," Kid Rock (1998)

It is perhaps the definitive early Kid Rock track: explosive hard rock meets 
classic-rap swagger — with a lyrical hook that nods to the Sugarhill Gang. 


98. "2 + 2 = ?," Bob Seger System (1968)

Seger's fiery antiwar anthem was only a regional hit in its day, but has 
amassed admirers through the decades as a defining '60s rock track. 


97. "Danger! High Voltage," Electric Six (2002)

At the height of Detroit's garage-rock revival came this slice of infectious 
disco-metal absurdism, with Jack White's guest vocals helping to turn it into
a massive U.K. hit. 


96. "I Was Made to Love Her," Stevie Wonder (1967)

The 17-year-old Wonder was coming into this own, cowriting his material and 
bursting at the seams with creativity, as this bright track emerged at the
hands of producer Hank Cosby in '67. 


95. "Ain't No Woman (Like the One I've Got)," Four Tops (1973)

The Tops' biggest post-Motown success came with this richly harmonized romantic 
tribute. 


94. "Journey to the Center of the Mind," The Amboy Dukes (1968)

Fueled by the guitars of a young Ted Nugent and Steve Farmer, the Amboy Dukes 
put a gritty, heavy Detroit spin on the psychedelic rock sound. 


93. "I Can't Get Next to You," The Temptations (1969)

All five Temptations tag-team on lead vocals in this muscular, brash hit, one 
of the United States' biggest sellers in 1969. 


92. "I Wish It Would Rain," The Temptations (1967)

The Tempts' increasingly sophisticated sound is glimpsed in this Norman 
Whitfield-produced cut, as David Ruffin's anguished delivery rounds out the 
dramatic
ambiance. 


91. "Hollywood Nights," Bob Seger (1978)

“A Midwestern boy on his own” reckons with the disaffection of L.A. life in 
this galloping “Stranger in Town” track, still a rock-radio staple. 


90. "Come See About Me," The Supremes (1964)

In the course of a few months, they'd become the biggest girl group in the 
world, and this buoyant single became the trio's third straight No. 1. 


89. "One Nation Under a Groove," Funkadelic (1978)
George Clinton works with engineer Jim Vitti at the 

One of the most influential dance-funk tracks of all time was brewed inside 
United Sound Systems — the Detroit studio that served as laboratory for mad
musical scientist George Clinton. 


88. "Respect," The Rationals (1966)

Scott Morgan and company gave the Otis Redding song a driving garage-soul 
workout a year before Aretha Franklin's name got emblazoned on the song for 
posterity. 


87. "Fingertips — Pt. 2," Stevie Wonder (1963)

Who'd have known that the harmonica-wielding 12-year-old on this irrepressible 
track would go on to reign as one of the 20th Century's most important music
figures? This breakout single is one of the few live recordings ever to top the 
Billboard pop charts. 


86. "We've Got Tonite," Bob Seger (1978)

Tucked onto the second side of "Stranger in Town," Seger's yearning piano 
ballad became his signature romance song — and the biggest U.K. hit of his 
career. 
(live version)

85. "Sweet Love," Anita Baker (1986)
Detroit had known her as the lead singer of Chapter 8; the world at large was 
introduced to Baker's svelte, husky alto and jazzy R&B with this Grammy-winning
hit. 


84. "Ain't Nothing Like the Real Thing," Marvin Gaye & Tammi Terrell (1968)

The sweet musical chemistry of Gaye and Terrell took them to the top of the R&B 
chart in the summer of '68 in their first teaming with Nick Ashford and
Valerie Simpson. 


83. “Beautiful Loser” Bob Seger (1975)

This Leonard Cohen-inspired song saw Seger's fast-maturing songwriting in full 
blossom. In concert, it was paired with “Travelin' Man” to become a live
staple. 


82. "Sugar Man," Rodriguez (1970)

This just might be the oldest new hit on the list: a piece of haunting 
late-'60s folk-psychedelia brought to prominence by the 2012 Oscar-winning 
documentary
"Searching for Sugar Man." 


81. "Stan," Eminem (2000)
With a clever storytelling device and experience drawn from his early rush of 
fame, Eminem crafted a trenchant look into the mind of an obsessed fan. 


80. "Could It Be I'm Falling in Love," the Spinners (1973)

The brisk strings were quintessentially Philly, but the vocals were pure 
Detroit, with lead singer Philippe Wynne and the girl-sweetened harmonies 
helping
to create one of the definitive pop-soul singles of the 1970s. 


79. "Do You Love Me," The Contours (1962)

This boisterous bash of garage-doo-wop, rougher around the edges than most of 
Motown's signature productions, will still burst out of your speakers. 


78. "The Real Slim Shady," Eminem (2000)

Packed with pop-culture references and celebrity disses, this “Marshall Mathers 
LP” lead single found Eminem confidently atop his game after a year of
colossal success around the world. 


77. "I'll Be Around," The Spinners (1972)

Producer Thom Bell hit upon the golden formula as the Ferndale-raised group 
left a frustrating stint at Motown to reboot with Atlantic Records. 


76. "You've Really Got a Hold on Me," The Miracles (1962)

Smokey Robinson was becoming a formidable song craftsman by the time of this 
Sam Cooke-inspired composition, a plaintive but playful number with a charming
vocal rapport among Smokey and his group mates. 


75. "Think," Aretha Franklin (1968)

The Queen of Soul worked up another gem as this bold, brassy number got added 
to the fast-growing pile of hits. 


74. "I Just Want to Celebrate," Rare Earth (1971)

Motown's leading rock outfit tapped a hard funk groove for this enduring, 
uplifting slice of ‘70s sizzle. 


73. "How Sweet It Is (To Be Loved By You)," Marvin Gaye (1964)

If someone wants an example of the classic mid-‘60s Motown sound, point them 
toward this Holland-Dozier-Holland effort, Gaye's second Top 10 showing. 


72. "Cool Jerk," The Capitols (1966)

The myriad Detroit labels operating in the shadows of Motown during the ‘60s 
produced a treasure trove of soul gems. This slick, brisk dance track — released
on Karen Records — was among the most commercially successful, peaking at No. 7 
on the pop charts. 


71. "All Summer Long," Kid Rock (2008)
Kid Rock's nostalgic celebration of good times in northern Michigan got a 
musical assist from Warren Zevon's “Werewolves of London” and Lynyrd Skynyrd's
“Sweet Home Alabama” to become a chart-topper around the globe. 

70. "The Rubberband Man," The Spinners (1976)

Philippé Wynne's final hurrah with the Spinners was a fun-and-funky smash with 
Motown alum Bob Babbitt on bass. 

69. "Ball of Confusion," The Temptations (1970)

Topical social commentary from the Temptations as the group's sound and image 
evolved into the new decade. 

68. "What Becomes of the Brokenhearted," Jimmy Ruffin (1966)

Motown fans around the world regard this emotional, penetrating single as one 
of the finest in the label's catalog. 

67. "Shotgun," Junior Walker & the All-Stars (1965)

Berry Gordy Jr. was in the producer's seat as sax man Walker and company 
blasted out this infectious, gutsy soul chestnut. 

66. "Atomic Dog," George Clinton (1982)

Having helped define the ‘70s sound with Funkadelic, Clinton helped point the 
way for ‘80s dance music with this crisp and bustling funk freak-out. 

65. "Someday We'll Be Together," The Supremes (1969)

This sweeping, poignant single, produced and co-written by Harvey Fuqua, was 
the Supremes' final release with Diana Ross on lead vocals. 

64. "Cat Scratch Fever," Ted Nugent (1977)

Nuge's snarling lick became one of most distinctive guitar riffs of the ‘70s, 
ringing out of 8-track tapes and muscle cars as the Motor City Madman locked
down his spot in the hard-rock kingdom. 
63. "Bernadette," Four Tops (1967)
By this point, Holland-Dozier-Holland were firmly in the zone with the Tops as 
they crafted another round of burning romantic intensity. 
62. "(Love is Like A) Heat Wave," Martha Reeves and the Vandellas (1963)

Ebullient and contagious, this horn-stacked track gave Reeves and the Vandellas 
their first big smash — a song as fresh today as it was half a century
ago. 
61. "The Way You Do the Things You Do," The Temptations (1964)

After a series of failed starts, Smokey Robinson at last got the Temptations 
onto the radar with this dose of young-love sunshine. 

60. "Get Ready," The Temptations (1966)
There's no doubt that Funk Brothers were feeling it when it came to cut this 
high-energy, nimble-grooved track, which went on to top the R&B charts. 

59. "Ramblin' Gamblin' Man," Bob Seger (1968)

This rollicking, red-blooded number was Seger's first national hit single and 
became a cornerstone of the “Live Bullet” album eight years later. 


58. "Fell In Love With a Girl," The White Stripes (2002)
Two breakneck minutes of garage-punk glory, as Jack White's slashing licks 
careen alongside his cheeky, hopped-up vocals. 
57. "Ain't Too Proud to Beg," The Temptations (1966)

The Tempts dominated the R&B airwaves in the summer of '66 with this warm, 
feel-good classic. 


56. "Like a Rock," Bob Seger (1986)
With a musical sturdiness to match its title, the title track of Seger's 1986 
album is galvanized by Rick Vito's pair of soaring slide-guitar solos. 


55. “Nowhere to Run,” Martha Reeves and the Vandellas (1964)

Reeves gave it the sass, the Vandellas brought the cascading harmonies, and the 
Funk Brothers propelled it all forward with cool poise. 


54. "Just My Imagination (Running Away With Me)," The Temptations (1971)

Eddie Kendricks' falsetto, the Detroit Symphony Orchestra's strings and Norman 
Whitfield's master touch combine for a dreamy, sophisticated escape. 

53. "Baby I Need Your Loving," Four Tops (1965)

A pleading Levi Stubbs gets suave backing from Obie Benson, Duke Fakir and 
Lawrence Payton for the Tops' breakthrough hit. 

52. "Please Mr. Postman," The Marvelettes (1961)

Gladys Horton and company dee-liv-ah'd Motown's first No. 1 single with these 
timeless 2½ minutes of pop-R&B charm. 


51. "Ooo Baby Baby," The Miracles (1965)

Smokey's supple vocals ride a soft bed of harmonies on one of the most tender 
singles ever to come out of Detroit. 
50. "Heavy Music," Bob Seger (1967)
Rock fans outside Michigan are often happily surprised to stumble onto Bob 
Seger's early Detroit output, exemplified by this driving, finger-snapping,
bass-grooving piece of ferocity. His vocals fueled by the spirit of soul 
shouters like Wilson Pickett, Seger tapped into his hometown's attachment to 
muscular
soul-rock, and the single topped the local charts in the summer of '67.

The 22-year-old Seger had already scored some local radio success — most 
notably “East Side Story” and “Persecution Smith” — when unleashing this one 
with
his band the Last Heard, featuring bassist Dan Honaker, guitarist Carl Lagassa 
and drummer Pep Perrine. Still, broader success remained elusive, as the
label Cameo-Parkway shut down that September, leaving Seger more than a year 
away from his national breakthrough, with “Ramblin' Gamblin' Man.” 

49. "I Second That Emotion," Smokey Robinson & the Miracles (1967)

Smokey Robinson's reputation as one of popular music's finest songwriters was 
well established by the time of this peppy, endearing single. It's one of
the standouts in the Miracles' repertoire, with Robinson's characteristic tinge 
of vulnerability, a clever Eddie Willis guitar lick and a titular refrain
inspired by a line misspoken by friend and fellow songwriter Al Cleveland while 
shopping at the Detroit Hudson's store.

The single hit No. 1 on the R&B charts, flanked in that top spot by a trio of 
Detroit songs: preceded by Gladys Knight & the Pips' “I Heard it Through
the Grapevine,” and followed by Aretha Franklin's “Chain of Fools” and the 
Tempations' “I Wish it Would Rain.” 
48. "Runaway," Del Shannon (1961)
Harry Balk knew he had a smash on his hands. There was just some repair work to 
do first.

Del Shannon, a Battle Creek-born singer-guitarist living in Southfield and 
signed to Balk's Detroit agency, had already twice traveled to New York to 
“Runaway”
recording sessions. The song's cowriter, Max Crook, gave the track its iconic 
flourish: a solo played on a modified electronic organ Crook called a Musitron.

The problem: Both of Shannon's vocal passes were out of key.

“I wasn't going to take any chances with that baby — the song was so great,” 
says Balk, now 90. “The kid wrote the song, and it was great. But he just
couldn't get it together. He went flat.”

So in a painstaking process at New York's Bell Sound Studios, Shannon's vocal 
tape was sped up to raise the pitch, and spliced phrase by phrase with the
recording's instrumental track.

“I get my master and go back to Detroit,” Balk recounts. “I said, ‘OK, 
everybody, listen to a hell of a good record.' We start playing it, and Del 
Shannon
starts crying — ‘Oh my god, that doesn't even sound like me!' I said, ‘Who the 
hell even knows what you sound like, man? Don't worry about it. When you
get out there, it'll be such a smash, they'll be screaming anyway.'”

Balk was right: “Runaway” spent a month atop the U.S. charts — and remained the 
cornerstone of Shannon's live show through his 1990 death.

“We did it, we cured it, we put it out, and boom,” says Balk. “All over the 
world, we had a nice piece of work out there.” 


47. "Shop Around," the Miracles (1960)
You could say that Motown's first million seller was literally an overnight 
success.

In September 1960, two early versions of “Shop Around,” penned by Smokey 
Robinson and Berry Gordy, were sputtering out on Detroit radio when Gordy struck
late-night inspiration: To achieve wider success, the song needed a crisper 
beat and smoother delivery in place of the grittier, bluesier versions in 
circulation.
Smokey's retelling of Mama's advice needed some zip.

As Motown legend has it, Robinson and his fellow Miracles were summoned to the 
Hitsville studio for an impromptu 3 a.m. session, this time with Benny Benjamin
on drums.

This third “Shop Around” was gold: By Christmas, it was picking up national 
traction, ultimately spending two months atop Billboard's R&B chart. 

46. "My Guy," Mary Wells (1964)
Smokey Robinson's sugar-coated ode to romantic loyalty became the biggest hit 
of Mary Wells' career, and cemented her reputation as Motown's first queen.

The seeming simplicity of “My Guy” is deceptive: Robinson's stuck-like-glue 
couplets are delivered by Wells with sophisticated aplomb — including her 
throaty,
Mae West-inspired final lines — and matched by a smart Funk Brothers 
performance that slyly dresses up the intro with a motif from the jazz standard 
“Canadian
Sunset.”

“My Guy” came amid snowballing momentum for Motown, even squeezing in a couple 
of weeks atop the Billboard Hot 100 as the newly arrived Beatles dominated
the charts in spring 1964. It was also the beginning of the end for Wells' 
Motown tenure: Within a year, she'd left the label amid a royalties dispute. 

45. "Stranglehold," Ted Nugent (1975)
Over an unrelenting, burbling bass groove, Ted Nugent delivered one of the 
guitar epics of the '70s — eight minutes of serpentine licks, sizzling effects
and hard-rock escapism.

Famously cut by Nugent in an impromptu, one-take shot with his trusted Gibson 
Byrdland, the "Stranglehold" solo wasn't just the showpiece of his 1975 
self-titled
debut (and a memorable highlight on 1978's "Double Live Gonzo"): It also 
sparked his status as one of the era's guitar heroes.

Three decades later, Nugent would declare it “a masterpiece of jam-ology” as 
Guitar World magazine deemed it the 32nd best solo in rock history. 

44. "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)," Marvin Gaye (1971)

The warm, fluttering lushness of “Inner City Blues,” the closing track on 
Gaye's “What's Going On,” belies its uneasy look at the urban condition circa
the early '70s. Crooning the words of lyricist James Nyx, Gaye ruminates on 
crime, poverty and police tension, the desperation of “God knows where we're
heading” capturing the mood of post-riot Detroit.

There's a reason this track became a go-to source for hip-hop samples decades 
later: Its gritty survey of inner-city life was a predecessor to rap as “the
CNN of the ghetto,” in Chuck D's famous words.

In the context of the album, “Inner City Blues” is a coda of sorts, a musical 
and lyrical callback to the opening title track — and sealing what many regard
as Gaye's finest artistic achievement. 


43. "You Keep Me Hangin' On," the Supremes (1966)

Robert White's staccato guitar runs like a live wire through the Supremes' 
eighth No. 1 song, their edgiest Holland-Dozier-Holland production to that 
point.

Hits seemed instinctive for the Supremes and H-D-H by now, and “You Keep Me 
Hangin' On” found the team making a crisp, self-assured step forward. Despite
the old-school flourishes — the funky rhythmic stomp, Earl Van Dyke's 
gospel-piano runs in the bridge — “You Keep Me Hangin' On” comes off notably 
modern
and jetliner-sleek, with Diana Ross's lead vocal fashionably double-tracked and 
a 12-string guitar chiming throughout.

It was the sound of Motown emerging into a new sonic era — into color from 
black-and-white — and as a piece of studio work groomed with the Funk Brothers, 
it
was one of H-D-H's best yet.

But that's not to downplay its fundamental strength as a song: “You Keep Me 
Hangin' On” has proved irresistible to a diverse array of artists through the
decades, from Vanilla Fudge and its 
psychedelic sludge in 1967
to Kim Wilde's 
Euro-pop rendition in 1986
— not to mention the 
1996 version by Reba McEntire
that took the country star to No. 2 on the dance charts. 

42. "Mercy Mercy Me (The Ecology)," Marvin Gaye (1971)

Less than a year after the inaugural Earth Day, Marvin Gaye crafted a poignant 
song that would become a clarion call for the budding environmental movement.

As part of the groundbreaking "What's Going On" album, "Mercy Mercy Me" was the 
work of an artist for whom spirituality and political action were tightly
intertwined: Pollution in the skies, mercury in the seas — "how much more abuse 
from man can she stand?" Gaye sings. It was a point he'd emphasize elsewhere,
telling interviewers that defying nature would prove to be the downfall of 
humanity.

"Mercy Mercy Me" peaked at No. 4 on the Billboard Hot 100, and was memorialized 
31 years later with a spot in the Grammy Hall of Fame. 


41. "Money (That's What I Want)," Barrett Strong (1959)

As Barrett Strong tells it, he was at a piano fiddling around with Ray Charles' 
"What'd I Say" when the bounding, bluesy part morphed into something all
his own — and led to the first hit for Berry Gordy's fledgling Tamla label.

The song's official authorship — credited only to Gordy and Janie Bradford — 
has long been a source of dispute, and Strong contends he has been denied
royalties for an enduring tune covered by the Beatles and others.

Recorded in a series of live takes at the Hitsville house that would become 
Motown headquarters, "Money" featured guitar and bass by "two little young
white guys," Strong says — Cass Tech music students who'd popped by the studio 
after school. (Their identities have never been confirmed, although a musician
named Eugene Grew has claimed to have been on guitar.)

"Money" would reach No. 23 on the pop charts after getting its Detroit break 
via WCHB-AM's Larry Dixon: "He said the phones lit up, and the people wanted
to hear it over and over again," Strong recounts. "I knew it was a hit record, 
because it had that same feel that ‘What’d I Say’ had, that dance feel."

As a performer, Strong would never again land a hit as big as "Money," but that 
was little matter: He went on to become one of Motown's premier songwriting
forces, pairing with Norman Whitfield to create blockbusters such as "I Heard 
It Through the Grapevine," "War" and "Just My Imagination (Running Away With
Me)." 

40. "You Can't Hurry Love," the Supremes (1966)
Introduced by one of the most distinctive bass lines in pop history — an 
eight-note James Jamerson figure that returns to the fore during the song's 
memorable
break — "You Can't Hurry Love" became one of the signature hits in the Motown 
canon.

With six No. 1s to their name, the Supremes were now in the Hitsville driver's 
seat, and production team Holland-Dozier-Holland had the leeway to carefully
groom new material: Originally titled "This is Where I Came In," and with 
lyrics cribbed from a gospel song, "You Can't Hurry Love" was cut over the 
course
of a month in summer '66, including an abandoned first version that's long been 
a favorite of bootleggers.

The sprightly final single was released that July, and did what Supremes 
releases dependably did: swooped to the top of the charts. 


39. "Let's Get it On," Marvin Gaye (1973)

Two years after “What’s Going On,” Marvin Gaye turned his socially conscious 
eye from the streets to the bedroom, and sculpted one of the definitive come-on
songs in the history of popular music.

“Let’s Get it On” was one of several Ed Townsend compositions on the album of 
the same name, and from the iconic, opening wah-wah guitar to the tapestry
of multitracked vocals, the track is a masterpiece of soulful studio 
craftsmanship. Gaye’s performance is insistent but sensitive, and “Let’s Get it 
On”
introduced a mature sensuality that forever changed the face of popular music.

The album — cut in Detroit and L.A. — came together amid Gaye’s move to the 
West Coast, where he followed Berry Gordy as Motown closed the doors on its
Detroit operation. The title track was a winner out of the gate, spending two 
weeks atop the U.S. pop charts and six on the R&B side. 


38. "I'm Eighteen," Alice Cooper (1970)

The Alice Cooper band’s virile breakthrough hit was “was purely Detroit punk,” 
Cooper says. “You have to remember, at the time we wrote that, we were hanging
out with the Stooges and the MC5. And you couldn’t get more punk than the 
Stooges. ... We just picked right up on that.”

Written and rehearsed at the band’s Pontiac Township farmhouse — where the 
group had migrated after living out of a grimy Detroit motel — “I’m Eighteen”
was among the first Cooper songs to grab the ear of budding producer Bob Ezrin, 
who hammered it into a punchy hard-rock anthem at studio sessions in Chicago.

Propelled by Cooper’s raspy vocal and the ascending dual riff of guitarists 
Glen Buxton and Michael Bruce, the song is a combustible mix of adolescent
anger and confusion, capped with its defiant refrain: “And I like it!”

“‘Eighteen’ could not be slick,” says Cooper. “It had to be a three-chord song 
that every single 18-year-old kid, in his worst angst moment, would get.”


37. "Boom Boom," John Lee Hooker (1962)

Thirteen years after John Lee Hooker secured his status as Detroit's greatest 
bluesman with the hit "Boogie Chillen," he took a shot at something more
polished: For the tightly structured "Boom Boom," cut in Chicago, Hooker 
mobilized Motown's Funk Brothers, including longtime friend Joe Hunter on piano
alongside James Jamerson (bass) and Benny Benjamin (drums).

Well-groomed though "Boom Boom" may be, a raw swagger remains in the song's 
aggressive seduction: "Boom-boom-boom-boom, I'm gonna shoot you right down," 
Hooker
growls. "Right off your feet, take you home with me."

"Boom Boom" has remained a favorite of rockers through the decades, with covers 
by bands as diverse as the Animals and Big Head Todd and the Monsters.
And Hooker's scatted lines — most memorably his how-how-how-how — became a 
vocal signature for the Hooker-bewitched ZZ Top. 


► "Boom Boom" is remembered by Howling Diablos front man and longtime Detroit 
blues figure Tino Gross: 

36. "Uptight (Everything's Alright)," Stevie Wonder (1965)

The “Little” was long gone from his name by the time Stevie Wonder at last made 
it back to the Top 10 following the success of “Fingertips” two years earlier.

“Uptight” — three minutes of irrepressible, brass-powered joy — was a lifeline 
of sorts for 15-year-old Wonder, whose Motown career had stalled since that
1963 breakthrough. Reaching No. 3 on the Billboard Hot 100, it also marked his 
emergence on the global scene, and the single hit the U.K.’s Top 20.

Co-writers Hank Cosby and Sylvia Moy built the song around Wonder’s initial 
kernel of a chorus, tapping a classic other-side-of-the-tracks romantic trope.
Wonder would go on to say the track’s feel was inspired by the Rolling Stones’ 
“(I Can’t Get No) Satisfaction,” whose infectious guitar riff had been 
everywhere
in summer ’65.

“Uptight” showed a Stevie Wonder finding his own identity: Many have speculated 
that’s him on drums, serving up the song’s headlong rhythm and enthusiastic
fills, and the track features many of the distinctive vocal mannerisms and 
playful phrasing that would define his adult singing.

It also landed Wonder his first Grammy nomination — the start of a long love 
affair with the Recording Academy that has placed 22 Grammys on his shelf. 



35. "Baby Love," the Supremes (1964)

“Where Did Our Love Go,” the Supremes’ first No. 1, was still riding high when 
Berry Gordy and Motown struck the hot iron, rushing this track into the
record racks in September 1964.

There's no doubt that "Baby Love" borrows from its predecessor single, from the 
floor-stomp rhythm to Diana Ross's coquettish, ooh-ing lead vocal. After
all, as co-producer Eddie Holland once told a biographer, "you'd be stupid to 
divert from what worked so well."

Still, at its core, "Baby Love" is more layered, rich and rhythmically busy, 
with a dreaminess that had been missing from the group's earlier work. It
was a formula that spelled instant success: The single bounded up the pop 
charts, spending the month of November at No. 1 and cementing the Supremes' 
place
as America's reigning vocal group. And within a month, Diana Ross, Mary Wilson 
and Florence Ballard were making their "Ed Sullivan Show" debut. 

34. "Smokin' in the Boys Room," Brownsville Station (1973)

Brownsville Station was a band on the run when it cranked out one of the 
enduring rock 'n' roll tributes to teenage mischief.

By 1973, four years after emerging on the Detroit-Ann Arbor scene, Cub Koda, 
Michael Lutz and Henry (H-Bomb) Weck were road horses, logging thousands of
miles and playing 300-plus dates a year.

“We were given our gold records in brown paper bags while we were on the road,” 
says Lutz.

Lutz, a lifelong nonsmoker, had come up with the seed of “Smokin’ in the Boys 
Room,” concocting the song’s catchy chorus and guitar lick — although his
line “Teacher, don’t you fill me up with your rules” was initially resisted by 
band mates for sounding “too British.”

Koda and Lutz finished “Smokin’” together, turning a pair of devoted Chicago 
fans — Fang and Paul — into schoolboy partners-in-crime for the song’s tale.

“Smokin’” was part of a rushed three-day recording session for the album 
“Yeah!” at New York’s Media Sound, overseen by fledgling producer Doug Morris,
today one of the music industry’s most powerful executives. Koda supplied the 
song’s fittingly snarling vocals, borrowing Lutz’s 1959 Les Paul for the
track’s guitar solo.

Koda, who died in 2000, would joke that the album included the sound of a “taxi 
trunk lid closing as we were running out of the studio to catch a flight
to play a gig,” says drummer Weck.

“Smokin’” was Brownsville Station’s first and only Top 10 hit, but remains a 
rock-radio fixture to this day — with a global fan base, say Lutz, that’s
“bigger than it was in its heyday." 

33. "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman," Aretha Franklin (1967)

A spark of inspiration from Atlantic Records producer Jerry Wexler turned into 
one of the most acclaimed songs of Aretha Franklin’s career.

Intrigued by the concept of “a natural man,” found in the old African-American 
folklore of figures like John Henry, Wexler switched up the idea and tossed
it to songwriters Carole King and Gerry Goffin for fleshing out.

They quickly did, and their composition was handed to Aretha for recording 
during the same winter 1967 sessions that produced “Respect.” Spooner Oldham's
stately gospel piano intro and Arif Mardin’s lovely strings were the dressing 
for a track Aretha fully made her own.

Backed by her sisters, Carolyn and Erma, Franklin delivered a performance both 
spiritual and sensual, intimate and majestic. It was a delivery "so free
and feminine and warm," as a gushing Lena Horne would tell Ebony magazine — and 
perhaps burnished by the head cold Franklin had taken to the studio that
day.

King looked back on the song in her fittingly titled 2012 autobiography, “A 
Natural Woman.”

“Hearing Aretha’s performance of ‘Natural Woman’ for the first time, I 
experienced a rare speechless moment. To this day I can’t convey how I felt in 
mere
words,” she wrote. “Anyone who had written a song in 1967 hoping it would be 
performed by a singer who could take it to the highest level of excellence,
emotional connection and public exposure would surely have wanted that singer 
to be Aretha Franklin.” 

32. "For Once in My Life," Stevie Wonder (1968)

In 1968, “For Once in My Life” sounded less like your typical Motown fare and 
more like some great lost American standard.

The Ron Miller-penned tune had been performed by a host of artists before 
Stevie Wonder put his memorable stamp on it — indeed, "who did it first?" has
been a topic of dispute. Of this there’s no doubt: “For Once in My Life,” to 
that point usually tackled as a ballad, was performed by singers that included
Jo Thompson, Sherry Kaye, Connie Haines, Barbara McNair, Jean DuShon and the 
Temptations.

Tony Bennett, who’d been introduced to Miller during a gig at Detroit’s 
Roostertail club, enthusiastically embraced the song, scoring a hit on 
easy-listening
radio and singing it for a national TV audience on Dean Martin's variety 
program in early 1968.

But it was Wonder’s upbeat, sun-streaked release later that year — driven by 
infectious James Jamerson bass work — that truly broke through, hitting No.
2 on the pop and R&B charts. Wonder and Bennett would team up on the song four 
decades later, earning a 2007 Grammy for their effort. 


31. "Reach Out I'll Be There," Four Tops (1966)

Today, “Reach Out I’ll Be There” is a cornerstone of the Four Tops’ catalog. 
But for a while in 1966, says the group’s Duke Fakir, “we were seriously,
totally against that song.”

It came amid a revolutionary stretch for pop music, as albums such as the 
Beatles' "Rubber Soul" and the Beach Boys' "Pet Sounds" pushed creative 
boundaries
and turned the studio into a laboratory. Producers Brian Holland, Eddie Holland 
and Lamont Dozier were in an adventurous mood when they crafted “Reach
Out,” with its piccolo intro and its skittering beat hammered out on a 
tambourine head. Lead vocalist Levi Stubbs was prodded to deliver the verses in
a sing-talk style — a la Bob Dylan — before being pushed to the top of his 
range.

“To us it was like an experiment, because it felt so different from our other 
songs,” says Fakir. “We thought it was an album song.”

But Berry Gordy had a different idea: Summoning the Tops into his office a 
couple of weeks later, he advised the group to get its tax affairs in order,
“because we’re getting ready to have the biggest hit you’ve ever had.”

The group remained unconvinced.

Fakir’s epiphany came when he heard “Reach Out” come over his car radio for the 
first time that summer, and he realized that the Tops had helped create an
epic for the ages. Ducking into Gordy’s office later that day, Fakir told the 
Motown boss he’d never doubt his ears again. “Reach Out I’ll be There” went
on to spend two weeks atop both the pop and R&B charts.

“I like it as much (for the lyrics) as the rhythm and sound,” he says. “The 
words meant so much, not only as a love song to one person — it was a song
for the world.” 

30. "My Cherie Amour," Stevie Wonder (1969)

Stevie Wonder was in a hit groove with collaborators Sylvia Moy and Hank Cosby 
when they reworked a tune he'd thrown together while attending the Michigan
School for the Blind.

"He had quite a few things like that," Moy says of the ditty initially titled 
"Oh My Marsha." "He was always on a piano somewhere."

Moy wrote new lyrics and reworked the song's title refrain — she'd loved French 
since her Northern High School days — and Stevie had a wistful, breezy
new song on his hands.

"I wanted to open his market some, more (toward) pop," she says. "When you've 
got some creativity in you like that, you just follow that."

Still, "there were those who felt that just wasn't a Motown sound," Moy says of 
the in-house response to the recording in 1967. The track sat on a shelf
for two years before getting tacked on as B-side to the single "I Don't Know 
Why."

"Some disc jockey turned (the record) over," she says. "And then they started 
turning it over all over the world."

For his part, Wonder was ultimately OK with the delay: “It was wise for Motown 
to wait,” he told a Billboard seminar in 1977. “They felt the public wasn’t
ready for that kind of Stevie Wonder sound.” 

29. "I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)," Four Tops (1965)

In 1965, there weren't many musical powerhouses in the world hotter than 
Holland-Dozier-Holland, who brought the Four Tops the perfect pop-crossover 
springboard
a year after "Baby I Need Your Loving."

"Every time they did a production, they refined it more and more," says the 
Tops' Duke Fakir.

"Those three guys had great ears for what they were trying to do. It wasn’t 
like they were fishing around trying to find out what they wanted to do," he
says. "Even with our help, they knew exactly what they wanted: If we’d come up 
with a background, they’d say, ‘Yes, that it’s it. Let’s do it in this 
syncopation,
blah blah blah.’ Same way with the lead singing with Levi (Stubbs)."

"I Can't Help Myself" was a switch-up for Stubbs, "because it was totally a 
different kind of rhythm song," says Fakir. "He was starting to get used to
singing beautiful ballads and songs with other kinds of great melodies. … To 
get it in the right pocket, saying the right things with the right expressions
at the right time — Eddie Holland was very good at teaching that and helping 
the singer promote the song in the way he heard it."

By the time the session was done, the Tops were confident they'd struck gold — 
and sure enough, the infectious "I Can't Help Myself" spent two weeks atop
the pop chart while camping for nine weeks on the R&B side.

"We just had a feeling that one was the big one for real," says Fakir. "And 
when it came out, it just exploded over the radio. I could hear it in the cars,
I could hear it in the grocery stores. I’d be riding in my car and have my 
window down and hear it in someone else’s car. That one just truly, truly sent
us to the moon mentally. We just felt like, ‘Wow, we’ve finally reached the 
real top.’” 


28. "Lonely Teardrops," Jackie Wilson (1958)
Having landed on the map a year earlier with the zippy “Reet Petite,” Jackie 
Wilson applied his dynamic voice to another tune cowritten by the pre-Motown
Berry Gordy, and propelled himself to the top of the charts.

“Lonely Teardrops,” released on New York’s Brunswick label, showcased all the 
best qualities of Wilson’s singing: elastic, stylish, suave, mischievous,
dramatic. It was classic ‘50s R&B injected with a distinct dose of Detroit 
soul, and became the single that sealed his stature as one of the era’s true
superstars.

Onstage, the song became a vehicle for Wilson’s sizzling theatrics, as he 
deployed some of the graceful moves learned in Detroit boxing gyms and dropped
to his knees to electrify audiences. And during a New Jersey show 17 years 
later, "Lonely Teardrops" would become his unplanned swan song: As Wilson 
reached
the climactic line “My heart is crying," he collapsed while suffering a heart 
attack — leading to a coma that would last until his 1984 death and subsequent 
interment
in Detroit’s Westlawn Cemetery.


27. "Devil With a Blue Dress On/Good Golly Miss Molly," Mitch Ryder & the 
Detroit Wheels (1966)
There's no shortage of soul coursing through the veins of Detroit rock 'n' 
roll, and you'll find few better examples than this effusive, driving hit from
the group led by singer Mitch Ryder, guitarist Jim McCarty and drummer Johnny 
(Bee) Badanjek.

Medleys had been a staple of the band's live performances when New York 
producer Bob Crewe helped strategize this follow-up to the Top 10 hit "Jenny 
Take
a Ride."

"He said, 'Do you guys know of any cool songs out of Detroit that nobody's ever 
heard?' " Ryder recounts.

They did: Shorty Long's original "slinky, crawling" version of "Devil" for 
Motown had been a minor local hit in '64. Cranking up the tempo, lacing it with
McCarty's wiry guitar work and Badanjek's rollicking fills, then stitching it 
together with Little Richard's "Good Golly Miss Molly," the Detroit Wheels
created the biggest success of their career.

The finished record features Ryder's initial vocal take, complete with his 
flubbed line "bracelets on her fingers." It was "my mistake," Ryder says, "but
Crewe wanted the energy from the performance and was willing to sacrifice the 
lyric."

"Devil" benefited from a two-pronged promotional campaign, pushed to radio 
stations by both the band's Bell label and a Motown team eager to capitalize
on Long's songwriting royalties, and the single crested to No. 4 on Billboard's 
Hot 100. 

26. "School's Out," Alice Cooper (1972)
While touring relentlessly in the wake of "Love it to Death" and "Killers," 
Alice Cooper and his band had begun the migration from Pontiac to Los Angeles
by the time of this Top 10 hit — released just in time for the end of the '72 
school year.

The song's infectious shout-along chorus and spirit of adolescent freedom 
proved a seductive cocktail to a new generation of young rock fans, and became
the trademark song for Cooper and company in the band's early years.

"It’s a classic rock song," Cooper says. "First of all, it’s got a lot of 
Yardbirds in it. We were always the band that wanted to be the Yardbirds. So
did Aerosmith and so did a lot of these other bands. That was our roots, that 
kind of rock 'n’ roll."

As with most of the band's signature work in those years, "School's Out" got 
its mojo from the band's unique creative chemistry with producer Bob Ezrin.

"Bob Ezrin was our George Martin," says Cooper. "He was the one who took that 
song and shaped it into what it is. At the bottom of it, it’s almost ‘Bolero’
— duh, duh-duh-duh-duh, duh-duh-duh-duh. Every single kid, from every 
generation, totally related to ‘School’s Out.’ To this day, if you play it for a
10-year-old kid, he goes yeahhh!


25. "Ain't No Mountain High Enough," Diana Ross (1970)

Diana Ross’ first No. 1 after leaving the Supremes was actually her second go 
at “Ain’t No Mountain High Enough”: In 1968, she and the group had cut it
as a duet with the Temptations, after the song became a hit for Marvin Gaye and 
Tammi Terrell.

But this “Mountain” was an entirely different scale. Featuring a slow, dramatic 
build and Ross’s soft-focus vocals, the new version might as well have
been an entirely different song.

Producers Ashford & Simpson cut the instrumental foundation at Motown’s Studio 
A in Detroit, then finished it off at their New York home base, where “we
did the sweetening — what we called the top stuff — with the strings and the 
horns and vocals,” says arranger Paul Riser.

“It had a very orchestral flavor. I was just champing at the bit waiting to get 
to it and finish it up,” says Riser. “I always loved doing full orchestration,
but very few songs demanded it. That one did.”

New York musicians were enlisted for the cause, Riser says — not members of the 
Detroit Symphony Orchestra as often reported elsewhere.

“New York had a different flavor, a different attitude,” says Riser. “Very 
Broadway-ish, very outgoing, and that’s what is captured on that song.”

Motown chief Berry Gordy, unhappy with the long track and its delayed 
gratification, initially declined to issue it as a single. Only after American 
DJs
began spinning it on their own did he commission a shorter edit for release on 
45.

In September 1970, “Ain’t No Mountain High Enough” succeeded Edwin Starr’s 
“War” atop the Billboard Hot 100 — the third time one Motown single had bumped
another from the top spot. And Diana Ross was now climbing the heights to solo 
superstardom. 


24. "Turn the Page," Bob Seger (1973)

By 1972, Bob Seger knew the road lifestyle as intimately as anyone, having 
logged countless miles trekking across the country as he steadily built an 
audience
and sharpened his songwriting pen. In the annals of rock, “Turn the Page" is 
perhaps the definitive reflection of life as a traveling musician, a glimpse
of the decidedly unglamorous grind where respite comes just once a night under 
the stage lights.

The song’s original version was recorded in 1972 by Seger in Detroit and at 
Leon Russell’s Oklahoma studio, where Alto Reed crafted one of the most 
distinctive
sax lines in rock history: It was a mournful opening wail coaxed out of Reed by 
road manager Tom Weschler, who encouraged the saxophonist to imagine a
black-and-white scene in a rainy late-night alley. One of the song’s most 
memorable lyrics was prompted by a real-life encounter at an Iowa gas station,
where a trucker had confronted Seger and his long-haired crew with the taunt, 
“Are you a woman or a man?”

Though it was released on the following year’s “Back in ‘72” album, “Turn the 
Page” secured its iconic status only after its Cobo Hall performance was
included on 1976’s “Live Bullet.” With Seger’s soulfully weary vocal and a 
tempo evoking the feel of the “long and lonesome highway,” the song became an
enduring fan favorite — and was covered by Metallica two decades later to 
become a massive rock-radio hit. 


23. "96 Tears," Question Mark & the Mysterians (1966)

It was the organ riff that shook the airwaves in fall 1966, while giving the 
pop-music canon one of its most beloved doses of garage rock.

96 Tears” was literally a homemade effort, recorded at a house studio where the 
control board was wedged into a closet. The Mysterians, fronted by the
sunglasses-clad Question Mark, were a group of teen Mexican-Americans enamored 
of the Rolling Stones and inspired by the Animals’ “House of the Rising
Sun.”

The Bay City group was becoming a regular at Detroit teen dances and DJ events 
when keyboardist Frankie Rodriguez came up with the “96 Tears” riff, played
on a primitive Vox organ.

“It was just a portable cheap keyboard that came out, and it had this unique 
sound to it,” says guitarist Bobby Balderrama. “They call it a ‘cheesy organ
sound’ now when you see it (as a setting) in a keyboard.”

Question Mark had titled the new tune “Too Many Teardrops” when drummer Eddie 
Serrato piped up with a juvenile joke: “Why don’t we call it ’69 Tears’?”

“I go, wow, that’s a catchy name, but the numbers — they ain’t going to work. 
The radio stations won’t play it,” Balderrama says. “At my age, I knew what
that meant.”

The numbers were flipped around, the band had its song, and the resulting 
record began making its way across the state, landing Detroit airplay and a big
break on Windsor’s influential CKLW. “96 Tears” was a long-established Michigan 
hit by the time it got picked up nationally by Cameo-Parkway and made its
way to No. 1 in October ’66.

“It was different. It was more raw-sounding,” says Balderrama. “It didn’t sound 
like it was done with a lot of production. And I think that’s why people
loved that song.”

“96 Tears” was the Mysterians' lone trip to the Top 10. But the band is proud 
of its place in rock's lineage.

“People will look at us as the grandfathers of punk rock, you know?” says 
Balderrama. “And I take that as a great remark.” 

22. "I Wanna Be Your Dog," the Stooges (1969)

The Stooges were still learning to play their instruments when they recorded 
their debut album in 1969, unleashing a primordial salvo that would eventually
change the face of rock.

"I Wanna Be Your Dog" was defiantly simple, raw and self-aware — a sonic middle 
finger to a hippie-rock culture that had grown too big for its bell-bottoms,
as far as Iggy Pop and company were concerned.

The song had been a fixture in the band's short live set at metro Detroit  
gigs, where the group attracted the eye of Elektra Records' Danny Fields, in
town to consider the MC5. He snatched up both acts.

Nothing quite like "I Wanna Be Your Dog" had been heard before, with Ron 
Asheton's crashing guitar intro giving way to a simmering, sleigh bell-laced 
growl.
Likely a mutation of the blues classic "Baby Please Don't Go," the song felt as 
dangerous as it did ragged.

The Stooges remained industry outcasts through the decades, and "I Wanna Be 
Your Dog" got a tepid response from the black-tie crowd at the band's Rock
and Roll Hall of Fame induction in 2010. But its influence was vital, part of a 
Stooges catalog that helped spawn punk and give fuel to the alternative
rock revolution of the '90s. 


21. "Papa Was a Rollin' Stone," the Temptations (1972)

From a spare, cool groove and two simple chords, Norman Whitfield built one of 
the 1970s' soul-funk masterpieces.

The unorthodox producer also knew how to get the right performance out of the 
signature group in his stable, the Temptations, psychologically toying with
lead vocalist Dennis Edwards and his fellow singers to elicit something 
compelling.

"He would try and rub you the wrong way if he wanted to get something out of 
you," says Edwards. But in the end, with "all these gyrations he would go
through, the finished product was magic."

"Papa Was a Rollin' Stone," with its tale of a good-for-nothing dad who "died 
on the 3rd of September," was particularly uncomfortable for Edwards: His
father was a minister who died on the 3rd of October, and Motown's publicity 
team wanted to "make a big thing" out of the loose connection.

"I'm trying to tell them, 'Yeah, the big thing is, I've got to explain this to 
my mom,'" Edwards recounts. "She had a fit about it."

With a full-length version that clocked in at 12 minutes and an edited single 
that ran for more than six, "Papa" was far longer than the typical songs
that dominated the radio. But there was nothing stopping it: The single headed 
to the top of the pop charts and earned three Grammy trophies.

"We took a real chance on it," says Edwards. "But we found out: If you have a 
quality record, they would play it." 

20. "The Tears of a Clown," Smokey Robinson & the Miracles (1970)

"The Tears of a Clown" sat in the shadows for nearly four years before at last 
emerging to become the biggest global hit of the Miracles' career.

Stevie Wonder and Hank Cosby had written and cut the instrumental track in fall 
1966, but Wonder — unsure where to take the song next — handed it off to
Smokey Robinson during that year's Motown Christmas party at Berry Gordy's 
house. For Robinson, the track's merry piccolo motif and a playful bassoon from
the Detroit Symphony Orchestra's Charles Sirard conjured a distinct mood.

"That was like something of the circus to me," Robinson says. "That was Barnum 
& Bailey. That was Ringling Brothers."

Still, Robinson wasn't interested in a lively big-top theme: "I wanted to write 
something that I thought would be heart-wrenching," he says.

The Miracles singer had long been fascinated by the tale of Pagliacci, subject 
of the 19th Century opera of the same name — a clown who spent his days
entertaining crowds but who "went back to his dressing room and was very sad 
because he didn't have that kind of love from a woman," Robinson says.

He'd even tapped Pagliacci for songwriting inspiration once before, deploying 
the laughter-sadness dichotomy in the lyrics of Carolyn Crawford's "My Smile
Is Just a Frown (Turned Upside Down)" in 1964.

With Robinson's lyrics in place, the Miracles' vocals were added and the track 
was included on the group's 1967 "Make It Happen" album. But it wasn't until
1970, when a slightly remodeled version of the tune was featured on a U.K. 
release, that "Tears of a Clown" took off, spending seven weeks atop the British
pop charts and becoming one of Motown's all-time biggest sellers. 

19. "War," Edwin Starr (1970)
The Temptations were the first to record the potent Vietnam protest anthem 
"War," which was tucked onto the group's album "Psychedelic Shack." But for
Berry Gordy, aggressive images of undertakers and mothers' tears made an 
uncomfortable fit for one of his marquee groups, and he declined to issue it as
a single.

So writer-producers Norman Whitfield and Barrett Strong were paired with the 
rugged-voiced Edwin Starr, a Detroit soul singer who'd come into the Motown
fold with the company's recent acquisition of the competing Golden World 
stable. Inside Motown, an operation wrestling with changing trends and the 
emergent
counterculture, they added up to a team of musical mavericks.

"America was having a lot of problems overseas," says Strong. "War was going 
on, and it was not making any sense to us. Norman said, 'What is it good for,
Barrett?' I said, ‘Not a damned thing!’"

Starr's intense rendition of "War," over a busy, funky Whitfield production, 
was cut at Hitsville in spring 1970 and scaled the pop-chart summit that summer,
logging three weeks at No. 1.

“We had no idea it was going to be as big as it was," says Strong. "But he was 
such an electric singer. He brought it to life.”

The record earned Starr a Grammy nomination and sent him on a phase of protest 
music, including a Top Five R&B follow-up, "Stop the War Now," before he
split from Motown in 1973 and headed for England, where he continued a run of 
mid-level R&B hits.

"War" had life in it yet: The song returned to the charts in 1986, this time at 
the hands of Bruce Springsteen, who issued it as the lead single from his
first live album. 


18. "(Your Love Keeps Lifting Me) Higher and Higher," Jackie Wilson (1967)

If Jackie Wilson's 1967 smash for Brunswick Records sounds like it belongs to 
Motown, there's a good reason.

"Higher and Higher," which gave Wilson his biggest hit in years, featured the 
surreptitious work of Motown's Funk Brothers, including lithe bass work from 
James
Jamerson and double-time rhythm from drummer Pistol Allen, who trekked to 
Chicago's Columbia Studios to lay down the track for producer Carl Davis.

"I would pay them double scale in cash," Davis wrote in his 2009 autobiography, 
"so they loved to engage in a little moonlighting for me."

Wilson cut his vocals at a New York studio — a one-take effort, the late Davis 
said — lending a supple urgency to a single that's pure gold: There's a
transcendent, uplifting sound to match the song's lyrical theme, boosted by the 
bright backing vocals of Motown's Andantes.

"Higher and Higher" would turn out to be Wilson's final appearance in the pop 
Top 10 in the U.S., although the song's enduring appeal gave it three trips
to the British charts through the years, hitting in 1969, 1975 and 1987. A 
cover by pop-country singer Rita Coolidge hit No. 2 on the Billboard Hot 100
in 1977 — two years after the start of the coma that would eventually lead to 
Wilson's 1984 death. 


17. "I Heard it Through the Grapevine," Gladys Knight & the Pips (1967)
16. "I Heard it Through the Grapevine," Marvin Gaye (1968)
It's just happy coincidence that these two singles wound up side by side on 
this list when voting wrapped up, but it's also fitting: Their stories are
intrinsically intertwined, each forever linked to the other.

"I Heard It Through the Grapevine" was the work of the budding team of Norman 
Whitfield and Barrett Strong, fleshing out an idea concocted at piano by
Strong, who channeled the same Ray Charles spirit that had inspired his 1959 
hit, "Money (That's What I Want)."

" 'Grapevine' was a song where I did the groove and the bass line," says 
Strong. "I came up with the idea, and I was going to do it. That was going to
be my second 'Money,' because it had the same style of groove. I wanted it for 
myself."

Instead, the song was recorded by the Miracles in 1966, a version left 
unreleased at the time after a thumbs-down from Motown's quality-control team. 
Months
later, Whitfield and Barrett hit the studio with Gaye, crafting a "Grapevine" 
that Whitfield would later call "this mystical, magical thing out of nowhere."
Again they were shot down, and Gaye's recording was shelved.

"They thought it was too bluesy," Strong says. "They weren't into that stuff. 
They didn't really know anything about it."

The next try came with the newly signed Gladys Knight & the Pips. This time it 
was fashioned with a brisk, funky arrangement influenced by Aretha Franklin's
success with the Muscle Shoals Rhythm Section, an effort to out-"Respect" the 
Queen of Soul's big hit, as Whitfield would say. Now Berry Gordy gave the
green light, and the heavily percussive track — which paired drummers Benny 
Benjamin and Uriel Jones — hit the streets in autumn 1967. The record promptly
became the biggest yet for Knight and company, topping the R&B charts that 
December and crossing over to the pop airwaves.

But the bullheaded Whitfield and Strong weren't done. Still pestering Motown 
brass about their year-old Gaye version, they at last got a sympathetic ear
from quality-control chief Billie Jean Brown, who convinced Gordy to include it 
on Gaye's 1968 album, "In the Groove."

Now the world could hear Whitfield and Strong's masterwork: Moody, airy and 
exotic, it was a string-swept piece threaded with the crisp buzz of a Wurlitzer
organ and carried by the throb of Pistol Allen's tom-toms — all crowned by a 
singular vocal performance from Gaye, who owned the song's mood of romantic
betrayal.

It clicked. Picked up for play by a Chicago DJ, Gaye's "Grapevine" quickly 
spread through the Midwest, spurring Motown to rush a single into stores in
October 1968. By December it was the country's No. 1 song, holding down the 
spot for seven weeks to become the best-charting hit ever recorded in Motown's
Detroit studio. 

15. "Chain of Fools," Aretha Franklin (1967)

“Respect” was riding high on the charts in the summer of ’67 when Aretha 
Franklin stepped into Atlantic Records’ New York studio to cut her next 
masterpiece.

The snaking groove and twangy, smoldering feel of “Chain of Fools” are 
red-blooded Southern soul, and no surprise: Songwriter Don Covay had originally
crafted it as a gospel number, the “chain-chain-chain” chant harking back to 
his South Carolina youth and the sight of black field hands at work.

“Chain of Fools” saw Franklin teaming with her go-to Muscle Shoals players, 
joined by a horn section that included King Curtis on tenor sax and spiced
with a memorable opening guitar lick from Joe South. With sisters Erma and 
Carolyn Franklin backing her, Aretha dished up another work-of-art vocal 
performance,
laced with harmony later dubbed in by Ellie Greenwich — who suggested the 
addition after hearing the track in the office of producer Jerry Wexler.

Embraced as an anthem by civil rights activists and Vietnam soldiers, “Chain of 
Fools” was locked in at No. 1 on the R&B charts when the City of Detroit
declared “Aretha Franklin Day” on Feb. 16, 1968, as Martin Luther King Jr. 
presented the singer an award at Cobo Hall on behalf of his Southern Christian
Leadership Conference. 


14. "Signed Sealed Delivered I'm Yours," Stevie Wonder (1970)
One of the most important aspects of "Signed Sealed Delivered I'm Yours" can be 
found on the record's label: "Produced by Stevie Wonder."

Released less than a year ahead of his 21st birthday, this exuberant 1970 hit 
saw Wonder bristling with creative energy and assuming more control as he
approached a crucial contract negotiation with Motown. Written during a series 
of sessions with Syreeta Wright (Wonder's soon-to-be-wife) and Lee Garrett
(a fellow alum of Michigan School for the Blind), "Signed Sealed Delivered" was 
a big step for the fast-blossoming musician, who gave a songwriting credit
to his mom, Lula Mae Hardaway. (Wonder says she came up with the song's title 
refrain; Garrett has claimed it as his creation.)

The record came at a time when Wonder was fixated on the sounds of Memphis and 
Stax Records, and "Signed Sealed Delivered" captures that vibe, packed with hot
horn blasts, a stuttering guitar lick and a propulsive groove bested only by 
the gushing, breathless vocals that give the song its ecstatic punch. The
recording captures a performance that sounds positively triumphant, and the 
reality of the matter was becoming clear to the world at large: Stevie Wonder
was a talent to be reckoned with, stocked with a rich musical mother lode 
begging to be mined.

That's precisely what would happen in years to come. In retrospect, "Signed 
Sealed Delivered" was a key turning point in Wonder's career, finding him with
one foot in the '60s and another in the decade that would see him become one of 
the most vital artists of the 20th Century. 


13. "Old Time Rock and Roll," Bob Seger (1978)
Disco was in full flight, heavy metal was roaring to life and punk was biting 
at the edges when Bob Seger threw down the musical gauntlet.

With “Old Time Rock and Roll,” Seger pledged allegiance to tradition amid a 
fast-changing music scene, romping through a three-chord, piano-driven rocker 
that
has become a cornerstone of his catalog and a keepsake of American culture. As 
a tribute to vintage blues and funky old soul, the song may have been out
of step with the zeitgeist, but it was right in Seger's wheelhouse.

Penned by R&B songwriters George Jackson and Thomas E. Jones III, the song was 
presented to Seger by the Muscle Shoals Rhythm Section, the Alabama outfit
backing him for much of the 1978 album “Stranger in Town.” (Seger has said he 
rewrote many of the lyrics but declined to take a composer’s credit, a decision
he once called “the dumbest thing I ever did.”)

Released as the album’s fourth single, it became a minor hit in 1979 and was 
quickly adopted into Seger’s live set. But the song got its long-term destiny 
four
years later, when it was tapped for use in Tom Cruise’s breakout film, “Risky 
Business.” The resulting scene — Cruise in his underwear, sliding and dancing
and lip-syncing to “Old Time Rock and Roll” — gave the track new life and 
forever linked it with one of the most memorable, reenacted and parodied moments
in Hollywood history.

By 1992, “Old Time Rock and Roll” was ranked the second most-played jukebox 
selection in history (behind Patsy Cline’s “Crazy”), and Seger was bestowed
a Living Legend Award by the Amusement and Music Operators Association. 


12. "What I Like About You," the Romantics (1980)

Before it became a ubiquitous anthem in sports stadiums, college parties and 
classic-rock playlists, “What I Like About You” was just another fleeting
hit.

With their matching suits and a throwback sound that nodded to old British rock 
and upbeat garage-pop, the Romantics were generating plenty of industry
buzz by the time of their 1979 debut album. The group had formed on Detroit’s 
east side two years earlier — a coming-together of drummer Jimmy Marinos,
bassist Rich Cole and guitarists Wally Palmar and Mike Skill — and it didn’t 
take long to get grabbed up by Nemperor Records, a CBS subsidiary.

The resulting album, recorded in Miami with British producer Pete Solley, 
featured several strong contenders, drawn from a pool of tunes licked into shape
during the Romantics' Detroit club shows and out-of-town gigs. But it was “What 
I Like About You” that turned out to be "lightning in a bottle," says Palmar.

“Everything just really clicked with that writing and the performance of that 
song. And we knew it as soon as we heard it coming back out of the speakers,"
he says. "Sure, the other songs on the album were all our babies. We loved them 
all. But for some reason, this one, you heard it (and) it just stuck out.”

With a chiming guitar riff concocted by Skill and lead vocals from Marino, the 
song brought giddy handclaps and a recurring “hey!” chat inspired by the
Yardbirds’ “Over Under Sideways Down.” It was three minutes of infectious power 
pop, and the song climbed to No. 49 on the Billboard Hot 100.

But while its U.S. chart run may have been brief, "What I Like About You" 
didn't fade away. The single's European success spurred CBS to film a music 
video, shot
at a West Coast soundcheck. And so when MTV debuted in the States the following 
year, hungry for content, the Romantics clip was called into service and
the song got a second shot of life. The mainstream profile of “What I Like 
About You” was cemented for good when Budweiser secured the track for a TV ad
campaign in 1989, and it went on to be one the most-licensed songs in recent 
decades, with covers including a 2014 rendition by the boy band 5 Seconds
of Summer. 

11. "Stop! In the Name of Love," the Supremes (1965)

With a Hammond organ coolly sliding into a blast of bold vocals, “Stop! In the 
Name of Love” doesn’t wait around to make its declaration: You're getting
a new class of Supremes song.

Lighter fare like “Baby Love” and “Where Did Our Love Go” had carried the 
Motown trio to pop music’s front row in 1964. But the group remained restless,
says Mary Wilson, aware that the Supremes were regarded as less edgy than 
counterparts such as the Marvelettes and Martha and the Vandellas.

"Those songs were some of the ones that we weren’t that crazy about," says 
Wilson. And so this latest Holland-Dozier-Holland piece, cut in early 1965,
marked a welcome shift.

“By the time we recorded ‘Stop,’ we were actually really getting into the 
material that H-D-H was sending us,” says Wilson. “As a group, we had in our
mind that we wanted to go in other directions, in terms of the style, the 
genre. We wanted to be a little more R&B.”

The song also returned Wilson, Diana Ross and Flo Ballard to the kind of 
approach they’d honed as the pre-Motown Primettes.

“That was definitely good, because we loved singing harmony and singing 
together,” says Wilson. "Stop! In the Name of Love" was "more of a group sound
out of the gate.”

Despite the Supremes’ success to that point, Wilson says, each new recording 
felt like a roll of the dice, a hope that the hot streak could continue. For
now, the prevailing mood “was just this happiness of being in the middle of the 
party.”

The single made its mark on the charts that spring, becoming the group’s fourth 
straight chart-topper. But true posterity for "Stop! In the Name of Love"
was forged onstage, where the Supremes’ stylish, synchronized routine — arms 
out, palms up — became one of the iconic images in popular culture.

“Even now — and I’m sure Diane has the same thing happen to her — whenever I 
sing that song, everyone knows it. They even do ... a couple of little movements
that we didn’t really do. I’m looking back, like, did we do that?!” Wilson says 
with a laugh. “It definitely has defined not only that song, but the 
choreography
of that decade.” 

10. “Lose Yourself,” Eminem (2002)

Long before it had lyrics or a name, the preeminent song of Eminem’s career was 
just another anonymous beat in an ever-growing stack of studio experiments.

With guitar, bass and piano by longtime collaborator Jeff Bass and drums 
programmed by DJ Head, the instrumental track was compelling but left unused.

“We kept pulling it in and out over the years,” says Bass. “We knew something 
was really amazing about it, but we didn’t know what it was.”

Then came “8 Mile,” the 2002 film starring Eminem and loosely based on his 
life. Charged by director Curtis Hanson to write a song capturing the experience
of his B-Rabbit character, Eminem pulled out the old Jeff Bass track and went 
to work.

It still needed tinkering: Engineer Steve King dug in to pinpoint the right 
stretch of taut guitar to loop throughout the song, while a blast of guitars in
the chorus was deemed “too rocky” and got replaced by Luis Resto’s dramatic 
keyboards. Bass’s piano intro was sprinkled with crackle to give it the feel
of an old record sample.

Recording lyrics in a mobile studio on the movie's Detroit set, mining his own 
tale for inspiration and stitching together a few lines at a time, Eminem
constructed his anthemic masterpiece.

The result was a command performance, one of the most gripping in hip-hop 
history — a breathless, intense, motivational execution that solidified his 
stature
as one of the genre’s greats.

“That build in the third verse is insane,” says Bass. “It was pure genius. On 
every emotional level, he brought that song.”

Reaching No. 1 on the Billboard Hot 100 in late 2002, “Lose Yourself” stayed 
there for 12 weeks — the most successful hit ever to come out of Michigan.
A few months later, it took the Academy Award for best original song.

“When it comes on the radio today, I still get goosebumps,” says Bass. “It’s 
really what music is supposed to be. … Every musician out there knows what
that song does emotionally to the human soul. It moves it, one way or the 
other.” 

9. “Ain’t No Mountain High Enough,” Marvin Gaye & Tammi Terrell (1967)

Nickolas Ashford had just moved from Ypsilanti to New York, ready for the 
challenge of his new surroundings. As songwriting partner Valerie Simpson tells
it, Ashford was walking through Central Park West when the city’s range of 
skyscrapers struck him as mountains to be conquered.

“He said to himself, ‘These mountains are not going to stop me. I’m going to 
make it in New York,’” Simpson says of her late husband. “That really was
the inspiration for the song.”

Ashford & Simpson were aiming to get a foot in the door at Motown Records when 
they turned that aspirational insight into a powerful love song for the
ages, shipping their demo to the production team of Johnny Bristol and Harvey 
Fuqua back in Detroit.

That was all the convincing Motown needed: The song became the first for the 
newly paired Marvin Gaye and Tammi Terrell, and although their parts were
recorded separately at Hitsville’s Studio A, the harmonized chemistry was 
instantly obvious. “Ain’t No Mountain High Enough” kicked off a run that made
Gaye and Terrell one of the decade’s leading duos, thanks in part to Gaye’s 
knack for being “such an accommodating singer,” in Simpson's words.

“Singers usually are a little bit more selfish, and he just wasn’t. He was 
always coming up with the ad lib that would make you shine, make you sound 
better,
pushing you forward. He was challenging,” says Simpson. “But she was very cocky 
as well because she was the newcomer, and so they really challenged each
other. I think that’s what made them so good together.”

“Ain’t No Mountain High Enough” was recast in 1970 for Diana Ross — it’s at No. 
25 on this list — and the two versions helped it become Ashford & Simpson’s
loftiest work.

The song has endured, Simpson says, because of its motivational message: “I’m 
going to make it, I’m going to overcome, I can’t be stopped.”

“I think people feel that, even more than they feel like it’s just a love song 
between two people,” she says. “Because that’s what it was born out of.” 

8. “Night Moves,” Bob Seger & the Silver Bullet Band (1976)

After years of toughing it out on the road, Bob Seger had finally cleared the 
big hurdle. “Live Bullet,” cut at Cobo Arena in September 1975, had given
him a national name, and now came the critical test: a chance to lock in the 
momentum for good.

That feat would come with “Night Moves,” a nostalgic, poignant look at bygone 
adolescent days, steeped in imagery from Seger’s Michigan youth — 1960 Chevys,
drive-in theaters, fumbling teenage hook-ups happening “out past the cornfields 
where the woods got heavy.” It was raw Midwestern poetry, and tapped what
would become a familiar Seger theme, reckoning with the reality of age as time 
marched on.

“Night Moves” is a tapestry of musical colors, building from acoustic guitar 
into a purposeful tempo and a metaphorically fitting climax before settling
down to rebuild again. Seger had wrestled for months with the arrangement, 
unsure how to link up the final parts, until Bruce Springsteen’s cleverly 
structured
“Jungleland” pointed the way.

Cut in Toronto with producer Jack Richardson, the recording features just two 
Silver Bullet members — drummer Charlie Martin and bassist Chris Campbell
— with session players rounding out the ensemble. (The final note of a scrapped 
Paul Cotton guitar solo can be heard in the crescendo just before the song’s
slow section.)

The finished version showcases the elements that would come to be Seger 
hallmarks: soulful female backing, rolling piano and organ, and a vocal 
performance
that’s both reflective and thunderous.

“Night Moves” became the title track on his next LP for Capitol Records, an 
album that went on to sell more than six million copies. The song itself peaked
at No. 4 on the Billboard Hot 100 in spring 1977, first in a slew of Top 10 
Seger hits as the long-loved Detroit rocker secured his place as the voice
of the American heartland. 


7. “The Tracks of My Tears,” the Miracles (1965)

Smokey Robinson was stuck.

For a couple of weeks, he’d been fixated on a reel-to-reel demo tape provided 
by Marv Tarplin — a captivating guitar riff that just needed the right words
to go with it.

Robinson had crafted the heart of a chorus, but was struggling to nail down a 
satisfying final line: “Take a good look at my face / You’ll see my smile
looks out of place / If you look closer it’s easy to trace … that somebody else 
is loving you.”

“I went through a thousand of those, man,” Robinson says with a laugh.

Inspiration finally struck, as if often does, in the unlikeliest of moments. 
Standing at the mirror for a morning shave, Robinson had an epiphany.

“I was looking at myself and I was thinking: What if there was a person that 
cried so much until you could see tracks that the tears had made in their
face?” he recounts. “And I said, ‘That’s it!’ So the rest of the song came 
after that.”

“The Tracks of My Tears,” recorded by Robinson and the Miracles in spring 1965, 
was gorgeously aching and achingly gorgeous — an exquisite expression of
heartbreak rendered in silk by Robinson over his group's suave backing.

Although it stalled at No. 16 on the pop charts, the song proved deep and 
lasting, covered through the decades by artists as eclectic as Aretha Franklin,
Billy Bragg and Linda Ronstadt, who took it to the pop and country airwaves in 
1975. The Who’s 1966 hit “Substitute” grew from Pete Townshend’s enchantment
with Robinson’s phrasing on the line “Although she may be cute / She’s just a 
substitute.”

“The Tracks of My Tears” was another plank in Robinson’s growing reputation as 
the poet laureate of popular music, and it continues to be regarded among
his finest achievements. The Library of Congress inducted the Miracles’ version 
into the National Recording Registry in 2008, and the song leads a body
of work that has earned Robinson the prestigious Gershwin Prize for Popular 
Song, which he’ll receive in November. 


6. “Seven Nation Army,” the White Stripes (2003)
If anyone showed how much musical force could be generated by two humans, it 
was the White Stripes. And if any song drove home that truth, it was “Seven
Nation Army.”

Written and recorded for the band’s 2003 album, “Elephant,” the track was a 
powerful and magnetic piece punctuated by Jack White’s gloriously gnarled 
slide-guitar
lick — very likely this century’s best-known rock riff.

“The melody for the song was written at a sound check for a show in Australia 
at a club called the Corner Hotel in Melbourne,” White says by e-mail. “I
played the riff over and over in front of Meg White and our friend Ben Swank. I 
seemed to be the only person who thought it was interesting at the time,
but it grew on my musician friends eventually!”

In his notes, Jack White logged it as “Bond Theme," figuring he’d save it for a 
James Bond soundtrack if opportunity called. Reminded by his sister Maureen
of his fumbling boyhood pronunciation of "the Salvation Army," White crossed 
that out and wrote down “the seven nation army” as “a way to inspire myself
lyrically.”

“Ironically it was my brother Joe and his wife Robin who were working at the 
St. Vincent de Paul thrift store in southwest Detroit that gave me the Kay
guitar I performed the song on,” White says. It was payment for helping move a 
fridge.

(Five years later, he did get a shot at a Bond theme, cutting “Another Way to 
Die” with Alicia Keys.)

The song’s story presents a character frustrated by local gossip, splitting 
town to head to Wichita. In fact, says White, the Kansas town is “a place I’ve
still never been, and out of respect for using the city as a metaphor, and due 
to the song’s longevity now, I will never go to.”

“Seven Nation Army” has taken on a life far beyond the White Stripes: Starting 
with European soccer fans in the mid-2000s, White’s melodic hook has become
a fixture in global sports stadiums and other gatherings, gustily and often 
spontaneously 
chanted
by 
tens of thousands.
Many have no clue about the melody’s origin.

“That inspires me greatly and makes me feel proud that I was a conduit and 
antenna at one moment in time for other people to help express themselves,”
says White. “The less people know where it came from, the more it is ingrained 
in the tradition of folk music, and the more it feels anonymous to the public,
the more I’m fulfilled as a songwriter.” 

5. “Kick out the Jams,” MC5 (1969)

Everything was on the line when the MC5 stepped into the Grande Ballroom on 
Oct. 30, 1968.

The seasoned Detroit band had signed with Elektra Records and — in a typically 
revolutionary gesture — had decided to produce a live album for its debut.
A recording truck was rolled into the alley, the band gathered backstage, and 
the tension ramped up.

“It was the most pressure I’d ever experienced playing,” says guitarist Wayne 
Kramer.

What followed was an explosive, muscular monument to Detroit rock, reprised the 
next night for a second round of recording at the Grande.

The resulting album, “Kick out the Jams,” took its name from the set’s standout 
number, a song written at the MC5 commune on Forest Avenue, a time “when
we were really starting to feel like we could say something,” as Kramer says. 
Rob Tyner’s emphatic cry — “Let me be who I am!” — caps a primal salvo of
high-energy music, as the band called its work.

Furious and chaotic, “Kick out the Jams” was unlike anything else sitting in 
the record stores of the day, and the song gave the Motor City an indelible
rock identity.

“The recording captures unrestrained enthusiasm of not only the five band 
members but of the whole Detroit community, because that’s them screaming in
the background,” says Kramer. The song invited “this sense of possibilities — 
that there could be a new sound and a new politics and a new lifestyle.”

It was also turned out too provocative for the band’s own good. Tyner’s shouted 
introduction, “Kick out the jams, mother (expletive),” became a headache
for all involved, causing the record to be banned by the Hudson’s chain and 
spurring an internal battle that led Elektra to drop the group.

For years, Kramer was uneasy about the “Kick out the Jams” that had been 
captured on record. The band was capable of far better, he was convinced, and
he was frustrated in particular with his performance, including a guitar that 
had slipped out of tune.

Kramer has come around.

“I hear it now for the high-energy, unrestrained, youthful message that it 
carries,” he says. “It stands on its own as a pretty intense record.” 

4. “My Girl,” the Temptations (1964)

On Dec. 21, 1964, the winter solstice brought one of the warmest, sunniest 
Motown hits ever put to vinyl.

Everything came together with “My Girl,” from James Jamerson’s hypnotic opening 
bass to Robert White’s stair-stepping guitar line to David Ruffin’s muscular,
aggressive voice finessed into something affectionate and approachable. In the 
year of the British rock invasion, you weren’t apt to hear many orchestral
solos on the airwaves, but Motown was happy to provide one, enlisting the 
Detroit Symphony Orchestra’s strings for the song’s lush break.

There are those irresistible, colorful couplets, the handiwork of songwriter 
Smokey Robinson — “so much honey / the bees envy me,” “a sweeter song / than
the birds in the trees.” As a playfully devised counterpart to “My Guy,” his 
smash for Mary Wells earlier that year, “My Girl” found Robinson in a rhyming,
chiming, metaphor-happy zone.

After several years of false starts, the Temptations had finally gotten on the 
map months earlier with “The Way You Do the Things You Do,” featuring tenor
Eddie Kendricks on lead. He and Paul Williams had been the go-to front men for 
producers working with the group, but Robinson had a different idea as he
approached the Tempts with his new composition.

“I knew if I could get David Ruffin to sing something sweet, it would be a 
hit,” Robinson says.

His instincts were on target: Released Christmas week, “My Girl” was the 
country’s No. 1 song by March, and the Temptations were on the way to becoming
the biggest male R&B group of the decade. Ruffin was key to that success for 
several years, lending lead vocals to hits such as “Ain’t Too Proud to Beg,”
“Beauty Is Only Skin Deep” and “I Wish It Would Rain.”

For Robinson, the song has “become my international anthem as a songwriter,” he 
says, and it remains a centerpiece of his solo concerts. 

3. “Dancing in the Street,” Martha and the Vandellas (1964)

“Every time I hear those trumpets, I get up. I have to move,” says Martha 
Reeves. “So I know how it affects other people.”

The effusive opening stretch of “Dancing in the Street,” perhaps the most 
exhilarating start to any of Motown’s big hits, was certainly designed to get
folks moving. With callouts to locales across the country — Chicago, New 
Orleans, a can’t-be-forgotten Motor City — the song’s "invitation across the 
nation" proved
irresistible in summer 1964.

Reeves wasn’t the first singer tapped for the track. Written by Mickey 
Stevenson, Ivy Joe Hunter and Marvin Gaye, “Dancing in the Street” was initially
slated for Gaye. But his romantic-crooner approach didn’t sit right with 
producers eager for a high-energy track. And Reeves, whose big and brassy vocals
had propelled hits such as “(Love Is Like A) Heat Wave,” was a logical choice.

Her vocal session at Studio A has since become the stuff of Hitsville lore. 
Giving it her all on a first go, Reeves was distraught when engineer Lawrence
Horn told her the tape hadn’t been running.

“I don’t know if it was a producer’s trick or if it was genuine,” she says. 
“But I got a little upset: ‘You didn’t have the machine on?!’“

That brought a second take fueled by vim and vigor.

“That’s why it sounds so live,” Reeves says. “The energy is at the top of my 
spirit, because I had to do it again.”

“Dancing in the Street” was distinct from Motown’s output to that point. With 
its universal slant, the song was a downright anthem, and was embraced by
civil rights activists who had their own idea of calling out around the world 
for a brand new beat.

For Reeves, though, the inspiration was purely local. While prepping for the 
song, she thought back to the lively summer evenings of her youth near the
corner of Riopelle and Leland, where the City of Detroit had closed the street 
to vehicle traffic after a pedestrian accident.

“It was like a street dance you could never forget,” she says. “From maybe 7 
o’clock till the sun went down or the street lights came on, we would party
in the street. So I remembered that.”

Released in July 1964, “Dancing in the Street” remains one of the 
quintessential summer songs, and covers by acts such as Van Halen and Mick 
Jagger-David
Bowie have made their own marks since. 


2. “What’s Going On,” Marvin Gaye (1971)

The dawn of the 1970s was an uneasy period for Marvin Gaye. The death of 
singing partner Tammi Terrell had shaken him up, letters from a brother in 
Vietnam
had unnerved him, and the aftermath of Detroit’s riots brought a pensive mood.

Thus was born an epic Gaye work that proved timely and timeless, an urgent 
social commentary with the pleading refrain: “You know we've got to find a way
/ To bring some lovin' here today.”

The Four Tops’ Obie Benson had brought the song to Gaye, who augmented the 
lyrics and set about to it record it for the Originals in his budding producer
role. By the time he oversaw the instrumental track, Gaye had decided to keep 
it for himself.

For all of the intensity in the song’s message, Gaye’s velvety performance is 
subtle and serene, the sound of a singer confidently riding his instincts.
Gaye wasn’t shoving anything into his listeners’ faces; he was leading them by 
the hand.

That welcoming vibe is signaled from the song's start, where the chattering 
sounds of a party (featuring Detroit Lions players like Mel Farr) give way
to Eli Fontaine’s cool, noodling sax.

“What’s Going On” also ushered in a trademark Gaye studio technique, thanks to 
a fluke: Picky about his singing, often recording phrase by phrase, he wanted
to compare two vocal takes to make a choice. So engineer Ken Sands cut a mix 
with one on the left channel and the other on the right. Fascinated by the
dual voices, Gaye opted to keep both, and multiple layered vocals became part 
of his work going forward.

The completed track was resisted by Motown chief Berry Gordy — less because of 
its lyrical content than its sound, far removed from Gaye’s signature romantic
fare.

“Berry actually thought it was a cool record. He just couldn’t see Marvin 
restarting his career,” says Bob Olhsson, one of several engineers on the 
project.
“If anything, Berry was hesitant about it because he was such a jazz lover. 
It’s almost like, if he liked something too much, he was afraid of it from
a commercial point of view.”

At the urging of other Motown execs, “What’s Going On” was pressed in a small 
run. The reaction from radio stations and record stores was fast and 
overwhelming,
and a wider release was rushed out.

“Within a week or two, it’s in the top five, and we get this phone call: 
‘Where’s the album?!’” says Olhsson. “Well, the album hadn’t even been written,
much less recorded. And then it turned into all hands on deck.”

A month of frantic work ensued, with sessions at both of Motown’s Detroit 
studios. By spring, the “What’s Going On” album was on its way to record racks
— and to a pedestal among the all-time greats.

“Marvin himself said that God produced the album,” says Olhsson. “And that’s 
totally the case.” 

1. “Respect,” Aretha Franklin (1967)

It was the song that turned a young Detroit singer into musical royalty.

Aretha Franklin was already a known force by summer 1967, having joined 
Atlantic Records after a Columbia run. But it was “Respect” that took her to the
stratosphere, becoming her first No. 1 hit and an inseparable part of her 
identity.

Recorded on Valentine’s Day 1967 at Atlantic’s New York studios, “Respect” 
found the 22-year-old singer sinking her teeth into Otis Redding’s frustrated
plea for domestic order. Aretha didn’t just flip Redding’s song on its head — 
she remolded it, fortified it and made it fully her own.

Franklin’s rendition brings a proud, deal-with-it tone over saucy backing from 
sisters Carolyn and Erma. It was bold and authoritative — the sound of 
empowerment
put to wax — and by the time it was done, soul music had a new queen.

Cornell Dupree’s pointed, twangy guitar lick kicks off a track pushed forward 
by Aretha’s bounding gospel piano and the loose swagger of a band that included
Tommy Cogbill on bass, Spooner Oldham on organ and Gene Chrisman on drums. The 
song’s distinctive sax solo features King Curtis on lead accompanied by
Charlie Chalmers and Willie Bridges.

“R-E-S-P-E-C-T” may be one of the most famous hooks in the history of popular 
music, but it appears at just one point in the song, repeated in a break
as the song heads into its homestretch.

The song gave mainstream American culture an injection of black slang — 
“propers” (eventually to become “props”) and “TCB” (taking care of business) —
while further popularizing “sock it to me,” which had also appeared a year 
earlier in Mitch Ryder’s Detroit rocker “Devil with a Blue Dress On.”

Indeed, “Respect” itself had already been given a Detroit stamp, becoming a 
regional hit with the Rationals’ uptempo soul-rock version in 1966.

But nobody could ratify the song like Aretha, whose gospel-honed vocals and 
self-assured delivery drove the song to a different place. Today her performance
stands not just as a musical triumph, but a social milestone — a 
barrier-breaking rallying cry that took the song beyond household affairs and 
into the
realm of feminism and civil rights.

Franklin reflected on the song in “From These Roots,” her 1999 autobiography 
with David Ritz:

“So many people identified with and related to ‘Respect.’ It was the need of a 
nation, the need of the average man and woman on the street, the businessman,
the mother, the fireman, the teacher — everyone wanted respect. It was one of 
the battle cries of the civil rights movement. The song took on monumental
significance.” 

• Follow-Ups:
  • [ourplace] Re: Detroit’s 100 Greatest Songs
    • From: Rosemarie Chavarria

Other related posts:

• » [ourplace] Detroit’s 100 Greatest Songs - Vickie
• » [ourplace] Re: Detroit’s 100 Greatest Songs- Rosemarie Chavarria

1. Home
2. ourplace
3. Archive
4. 08-2016

---

• » Previous by Date
• » Next by Date
• » Related Posts
• » View list details
• » Manage your subscription

---